Os 22 melhores álbuns de 2025 (até agora)

Então, quão culpado eu (nós?) deveria me sentir por gostar tanto do álbum de estreia de Addison Rae? Qualquer repulsa persistente que surge ao apertar o play em um disco de alguém que alcançou a fama dançando no TikTok, seguido por alguns singles que não decolaram, rapidamente se esvai. Trabalhando exclusivamente com duas compositoras e produtoras da equipe de Max Martin, Rae se inspira em Lana Del Rey, Madonna e sua mentora Charli XCX para encontrar um som distinto, às vezes emocionante e desorientador, que faz de Addison um dos maiores prazeres pop do ano.

A lenda mais teimosa do rock lança mais músicas — antigas, novas, inéditas, inacabadas — do que é possível acompanhar. Para seu 46º (48º? Quem sabe marcar pontos...) álbum, Young, de 79 anos, reuniu uma nova banda de apoio que consegue dividir a diferença entre a batida do Crazy Horse e seu lado folk/acústico. O resultado é uma espécie de caixa de samples do Neil — melancólico em "Bottle of Love", mordaz em "Dark Mirage", furioso contra a máquina em "Let's Roll Again" ("Se você é fascista/Vá buscar um Tesla", ele grita, ao som da melodia de "This Land is Your Land"). Nenhuma delas se compara à sua melhor obra, mas é preciso amar o cara por manter a chama acesa.

Embora a reunião do Oasis tenha ganhado as grandes manchetes, em alguns setores, o primeiro álbum novo do Pulp em 24 anos é a verdadeira história. E a verdade é que as abordagens secas e cínicas de Jarvis Cocker & Co. sobre sexo e classe sempre soariam mais verdadeiras para os sessentões do que os louvores dos irmãos Gallagher ao cigarro e ao álcool. More é pesado em cordas, batidas disco e a entrega vocal teatral de Cocker, enquanto a sagacidade e a dúvida em suas letras não perderam o ritmo. Quanto ao tempo longe, ele canta em "Got to Have Love" que "Quando o amor desaparece, a vida desaparece/ E você fica sentado de costas por 25 anos".

Tudo no quinto álbum do rapper em ascensão de Chicago, McKinley Dixon, é demais — muitos convidados, arranjos supercomplicados, metáforas e referências exageradas. Mas o escopo ambicioso de Magic, Alive! é poderoso demais para resistir — ao longo de suas onze faixas, Dixon conta a história de três jovens que lamentam a morte de um amigo e decidem ressuscitá-lo com magia. Com elementos de jazz, rock e boom-bap old-school, o disco soa como uma série de contos interconectados e bem observados, uma demonstração das possibilidades ilimitadas do hip-hop. "Viver para sempre é contar as histórias de quem ilumina seus olhos", ele rima na faixa-título de encerramento. "Nós corremos, nós dançamos, sobrevivemos, nós voamos."

Na faixa de abertura "Gone", Danielle Haim começa com "Posso ter sua atenção, por favor / Pela última vez antes de ir embora?" Então ela gira: "Pensando bem, mudei de ideia." E isso antes da música explodir em um sample de "Freedom '90" de George Michael. O tema de I Quit é que todas as três irmãs Haim estão solteiras e tentando explorar e celebrar sua independência - um álbum de término que não é apenas um desânimo. Ele se move em muitas (muitas) direções, do shoegaze nebuloso de "Lucky Stars" às batidas de pista de dança de "Spinning" (vocal principal de Alana) antes de fechar o círculo com a pulsação rave do encerramento "Now It's Time". I Quit não atinge os picos do espetacular Women in Music Pt. III de 2020 de Haim, mas elas ainda são um tesouro nacional.

Assim como o disco de Haim, Virgin não é o melhor trabalho da carreira de Lorde, que mudou o paradigma, mas tem muito a oferecer. De alguma forma, já faz uma dúzia de anos desde que a neozelandesa de 16 anos invadiu o mundo com Pure Heroine , abrindo caminho para Billie Eilish, Olivia Rodrigo e até mesmo elementos de Taylor Swift com seu electro-hip-hop-pop áspero — e quatro anos desde o misterioso projeto indie-folk Solar Power . Este álbum leva Lorde de volta ao som maximalista e ao espírito de coração partido de Melodrama , de 2017, abordando ansiedade, fluidez de gênero e imagem corporal em batidas pulsantes e tontas. Não há "Royals" ou "Green Light" aqui, mas a intimidade e a fisicalidade de Virgin apontam o caminho para coisas ainda maiores por vir.

Em seu sexto e mais completo álbum solo, o vocalista do Hold Steady se une a Adam Granduciel, do The War on Drugs, para um ciclo de canções comovente e sincero. Always Been conta a história de um pastor agnóstico destituído (acabamos descobrindo que ele é conhecido como Clayton, em uma canção homônima de tirar o fôlego) que percorre o país, de Delaware a Seattle, em busca de... praticamente tudo. Granduciel expande o som para além do heroísmo da banda de bar do Hold Steady, trazendo-o para uma atmosfera mais expansiva e evocativa, enquanto Finn — que sempre escreveu estudos de personagens refinadamente elaborados — entrega uma obra romanesca ambiciosa, mas não pretensiosa.

O impressionante segundo álbum da jovem cantora e compositora McRae marca a chegada de um grande talento. Uma mulher birracial com um violão acústico certamente atrairá comparações com Tracy Chapman, mas os ecos de Joni Mitchell e Taylor Swift em "I Don't Know How But They Found Me" (uma frase tirada do filme favorito de McRae, De Volta para o Futuro ) se somam a uma voz distinta e emocionante, incorporando folk, pop e algumas pitadas de eletrônica. Músicas como "Savannah" e "Massachusetts" são esquetes bem observados ao longo da jornada de recuperação de um término, com espaço para raiva e humor; "Eu quero culpar as drogas", ela canta em um refrão, "mas eu não uso drogas".

Por mais de 30 anos, a Galactic tem hasteado a bandeira do funk tradicional de Nova Orleans, mas eles também colaboraram com uma variedade de artistas de rap e soul. Você poderia esperar que sua parceria com Irma Thomas, de 84 anos (cujas músicas foram regravadas por Otis Redding e os Rolling Stones) se mantivesse próxima do gumbo imperdível de NOLA. O que teria sido mais do que bom, mas em Audience with the Queen , eles optaram por algo diferente; todas as músicas, exceto uma, são composições novas, com um som enraizado, mas moderno, e sentimentos como "A injustiça foi e é o combustível que alimenta a chama". A voz de Thomas pode estar um pouco mais áspera depois de todos esses anos, mas ainda traz o fogo.

Etta Friedman e Allegra Weingarten se conheceram na adolescência em Los Angeles, mudaram-se para o Brooklyn e agora estão a todo vapor — o quarto álbum do Momma as consolida como estrelas do indie rock. "Welcome to My Blue Sky" pode não inovar muito com seu som "I Heart the '90s", que mistura grunge e shoegaze (a formação até lembra as duplas femininas de grupos como Belly and the Breeders), mas seu som e batidas vibrantes e vibrantes são quase irresistíveis. Histórias da estrada compõem boa parte das letras (Momma já abriu shows de bandas como Weezer e Girl in Red), mas a lembrança é a nostalgia dos dias de glória do rock alternativo que esses caras são jovens demais para ter vivido.

O misterioso e elusivo coletivo de soul britânico ataca novamente. X é mais um lançamento furtivo do Sault — que lançou doze álbuns e dois EPs em seis anos — sem nenhum aviso além de alguns trechos de mídia social (mas, como de costume, sem fotos, imprensa ou mesmo arte de capa). O casal formado pelo produtor Inflo e pela vocalista Cleo Sol (que recentemente esgotou três noites no Radio City Music Hall sozinha) é a espinha dorsal do Sault e, como sempre, os grooves são profundos, a musicalidade estelar e a atmosfera jazz-funk lembra Roy Ayers e Stevie Wonder dos anos 70. Em X , porém, uma de suas coleções mais fortes até agora, eles adicionam alguns toques dos anos 80 evocando Prince e Michael Jackson, juntamente com toques excêntricos de guitarras de metal e ritmos reggae.

Não está claro o que é mais poderoso, a história de Michael Trotter Jr. e Tanya Trotter ou suas vozes. Michael era um veterano do Iraque que voltou com TEPT e Tanya era uma cantora que já havia assinado com a Bad Boy Records e que o ajudou na recuperação. Eles se apaixonaram e começaram a fazer música juntos, uma mistura gloriosa e rica de soul, gospel e country. Com contribuições de Billy Strings e Miranda Lambert, seu quarto álbum se inclina mais para o lado de Nashville — como a primeira dupla negra a ser indicada aos prêmios CMA e ACM, eles já vêm expandindo os parâmetros do gênero, e suas harmonias melosas e honestidade corajosa são quase irresistíveis.

Certo, então é meio impossível saber o que pensar dos Lumineers, os revivalistas do folk, neste momento. Por um lado, você pode nem saber que eles lançaram um novo álbum, que não recebeu nenhuma repercussão na imprensa. Por outro, eles anunciaram recentemente as datas da turnê para este verão e estão se apresentando em estádios. Estádios! Automatic adiciona alguns elementos eletrônicos mais ousados ​​ao som deles, mas também traz de volta uma intensidade mais próxima da de sucessos inovadores dos Lumineers, como "Ho Hey" e "Cleopatra" — que aparentemente continuam atraindo multidões, e sem as quais Noah Kahan e Zach Bryan não estariam lotando estádios.

Dezesseis anos após uma aclamada carreira solo, o projeto mais recente de Sharon Van Etten é, pela primeira vez, um álbum totalmente colaborativo com sua banda (renomeada). O som resultante é mais grooveado, com ecos de Talking Heads e New Order. Não é uma redefinição completa, mas em músicas como a crítica suavemente propulsora à cultura do telefone "Idiot Box", a expansiva "Afterlife" e a épica efervescente "I Want You Here", Van Etten explora novas vozes e novas possibilidades, e uma artista veterana que desafia sua própria criatividade é sempre uma vitória silenciosa.

Kip Moore sabe como é o sucesso em Nashville. No início de sua carreira, ele teve cinco sucessos country no Top 10, incluindo o número um "Somethin' 'Bout a Truck". Mas em algum momento, ele decidiu seguir outro caminho, mais independente, curtindo o Havaí e fazendo viagens solo de moto em vez de entrar no jogo da indústria. O sexto álbum de Moore — o primeiro após se separar de sua gravadora de longa data — foi inspirado pelo Clash e pelos Ramones, e ele compôs todas as 23 músicas, exceto uma (e, surpreendentemente, o single "Bad Spot" é a única exceção). Solitary Tracks é uma coletânea profundamente pessoal e instigante de um espírito livre fascinante e em evolução.

Um projeto solo criado em Kalamazoo pelo vocalista, compositor e multi-instrumentista Jason Singer, Michigander se mudou para Nashville, mas manteve o nome do estado natal. Após quatro EPs na última década e participações no Bonnaroo e no Lollapalooza, Singer finalmente lançou um álbum completo. Enraizado no power-pop com toques de emo (Singer já compôs para o Dashboard Confessional e excursionou com Andrew McMahon), além de ocasionais floreios de saxofone com pegada yacht-rock, as músicas de Michigander são em grande parte otimistas e cativantes sobre sentimentos complexos e tempos turbulentos. Na cintilante "Emotional", Singer canta: "Sou tão emotivo/Mas não conheço outro jeito/Então eu simplesmente sigo em frente/Eu nunca saio do meu próprio caminho."