Od pudełek PAN do zer na banknocie: wystawa proponująca wizualną archeologię przeszłości Argentyny

Wystawa „De origen nacional” (Pochodzenie narodowe), prezentowana przez Banco Macro i kuratorowana przez Patricię Rizzo, to wizualna podróż, prezentująca prace Emiliano Miliyo i Aimé Pastorino , które odzwierciedlają tożsamość, pamięć i symbole kulturowe naszego kraju . Na parterze lobby Torre Macro fikcja łączy się z pamięcią przedmiotów, które naznaczyły pokolenia.

W reklamie marka to nazwa, termin, znak, symbol lub wzór – a nawet ich kombinacja – mająca na celu odróżnienie towarów i usług grupy producentów od konkurencji. Koncentrując się na symbolicznym wymiarze przedmiotów , odtworzono wartość estetyczną pojemników i opakowań produkowanych lokalnie w sposób, który wyraźnie uwypukla aspekt fikcyjny.

Nie rezygnując z emocjonalnego związku z markami, które zakorzeniły się w pamięci zbiorowej , każdy z artystów tworzy dzieła z osobistymi i historycznymi zapisami. Obaj konstruują sceny jako zamrożone, nostalgiczne odniesienia i spotęgowane obrazy, które rzucają wyzwanie widzowi z zbiorowej i intymnej perspektywy.

Kuratorstwo lepiej oddaje to uprzedzenie, stwierdzając: „ Wystawa opiera się na pojęciu „narodowości” jako rozszerzonego pola znaków, afektów i historii . I dodaje: wyznacza granicę między przedmiotami konsumpcyjnymi, popularną grafiką, banknotami, markami, estetyką przemysłową i narzędziami, proponując współczesne odczytanie lokalności jako archiwum afektywnego i politycznego”.

Istnieje więź emocjonalna, która może wzmocnić więź między marką a konsumentem. Pozytywne emocje, takie jak szczęście, zaufanie i podziw, są pielęgnowane w złożonych partnerstwach z niektórymi markami, które reprezentują zdrowie, więź i świętowanie.

Tekst kuratorski wyjaśnia to bardzo jasno: „Poprzez różnorodne materiały i języki – obrazy, rzeźby, instalacje – poruszają tematy takie jak konsumpcja, pamięć, projektowanie graficzne, narracje historyczne i estetyka codzienności. Dzieła tworzące wystawę przywołują zastosowania i symbole związane z pieniędzmi, sposobami produkcji i formami konsumpcji , proponując wizualną archeologię naszej niedawnej przeszłości. Rezultatem jest wrażliwy i precyzyjny spis znaków, które przenikają różne pokolenia i konteksty społeczne, reinterpretowanych poprzez sztukę współczesną”.

Złożona przeszłość monetarna oraz wymiana pesos i monet przekształcają się w miękkie rzeźby, które zdają się unosić w powietrzu lub rozszerzać, przełamując skalę i nadając im wartość jako oprawionych dzieł. Te wskazówki pojawiają się w pracach Emiliano Miliyo (1970), artysty, którego kariera koncentruje się wokół marek – pewnych emocjonalnych powiązań obecnych w pamięci odbiorców, z jakością, więzią, wartością i satysfakcją.

Popularne ikonografie, takie jak banknoty, listy zakupów, chlebaki, worki z cementem i zabawki , łączą w sobie różne języki i skale. Miliyo mówi: „Pracuję z elementami, które wszyscy znamy. Nie po to, by je idealizować, ale by zrozumieć, dlaczego są tak trwałe, co mówią nam o nas samych i jak postrzegamy je dzisiaj. Dzieła, w których zacierają się granice między malarstwem, rzeźbą, obiektem i instalacją”.

Tylko ci, którzy przeżyli erę Raúla Alfonsína, który rozpoczął swoją kadencję w 1983 roku z hasłem „Dzięki demokracji jemy, leczymy i edukujemy”, ale którego polityka gospodarcza upadła w 1988 roku. Przed nadejściem hiperinflacji w maju 1989 roku, w obiegu były już paczki PAN (Narodowego Planu Żywnościowego), które łagodziły skutki tamtej gospodarki. Były one rozdawane grupom narażonym na choroby przenoszone drogą pokarmową i zawierały podstawowe zapasy suchych produktów. Jego prace były prezentowane w MALBA, Museo Moderno, CCK, Museo Fortabat i na międzynarodowych wystawach, takich jak Pinta NY . Był dyrektorem programu LEA w Faena Arts Center.

W galerii dwa dzieła idealnie łączą się z nawiązaniem do historii sztuki . Pudełka PAN naśladują pudełka Brillo Andy'ego Warhola, choć pudełka naszego artysty zaspokajały głód, a Andy celebrował konsumpcję. Za nimi, na płaskim podobraziu, marka Poxipol, w ramie w układzie poziomym, ma wycięcia naśladujące przestrzenność Fontany. Dla artysty włączanie elementów z prac innych twórców nie jest bynajmniej próbą cytatu czy hołdu. „Biorę to, co można postrzegać jako produkt , znak rozpoznawczy historii sztuki, który stanowi impuls do refleksji nad współczesnym społeczeństwem”.

Niektóre akwarele i rzeźby na papierze bawełnianym z nadrukami atramentowymi, takie jak „1 000 000”, „Argentyńskie peso”, „1000 pesos (Rzeźba)” czy „Loma Negra”, rozciągają pojęcia wartości, reprezentacji i obiegu symbolicznego.

Prace Aimé analizują konkretne konteksty społeczno-polityczne poprzez realistyczne reprodukcje przedmiotów codziennego użytku z rzeźbionego, montowanego i malowanego drewna . Obejmują one zarówno rozpoznawalne maszyny, takie jak maszyna do szycia wykonana z montowanego drewna, odtworzona w celu odtworzenia podstawowych mechanizmów niezbędnych do jej działania, jak i skrupulatne repliki puszek po farbie, kleju, starych zabawek czy pudełek zapałek.

Tworzy narodową archeologię różnych epok , działając na przecięciu języków i szanując skale, w takich pracach jak „Piano piano si va lontano” (2019), instalacja z replikami maszyn i przedmiotów z warsztatu stolarskiego dziadka artystki, zmierzonych w tej samej skali co oryginały, które się różnią. „WD-40 Box”, „MIT” lub „The Stoic Duration” tworzą materialny krajobraz, który działa jako tłumacz między estetyką codzienności poprzez gesty kontemplacji, techniczną precyzję i żartobliwą krytykę.

„ Każdy odtworzony obiekt skrywa historię . Ważne jest nie tylko to, co reprezentuje, ale także to, jak został zachowany, zarejestrowany i przekształcony” – mówi Aimé Pastorino.

Jej prace, wykonane z rzeźbionego i polichromowanego drewna, były wystawiane w Malba, Muntref, Castagnino-Macro Museum i Kunstverein Leipzig. Nawiązują do form wzornictwa przemysłowego i pamięci domowej, odsłaniając i przywołując konstrukcję doświadczeń i pamięć zbiorową.

Artysta stwierdził w niedawnym raporcie: „W moim domu współistniały następujące warsztaty: warsztat złotniczy mojego ojca, warsztat stolarski mojego dziadka, który uzupełniał warsztat malarski mojej babci, aby tworzyć najbarwniejsze zabawki-matki, oraz pracownia artystyczna mojej matki. Zanim zacząłem studiować sztuki piękne, opanowałem już stolarstwo, spawanie, malarstwo, rysunek i inne techniki. W tym kontekście nie dziwi fakt, że w mojej pracy niezmiennie koncentrujemy się na rzemiośle, ani na wyborze przedmiotu jako środka reprezentacji”.

Kiedy firmy prezentują swoją markę w pozytywny sposób poprzez reklamę, promocje i pozytywne doświadczenia, konsumenci ufają jej i czują się usatysfakcjonowani zakupami. Według konsumentów, najbardziej typowymi cechami relacji z marką są jakość, więź, wartość i satysfakcja.

Dodaje: „ Społeczne i polityczne napięcia danej epoki można odczytać zarówno w przedmiotach, jak i w jej wartościach i pragnieniach. Dlatego w moich instalacjach miejsce podmiotów jawi się jako kontrforma, jako pustka, którą widz może wypełnić swoją wrażliwością. Mam nadzieję, że w śladach przeszłości znajdziemy wskazówkę, która pomoże nam na nowo przemyśleć teraźniejszość”.

Obie artystki, będące zapiskami osobistymi i historycznymi, tworzą zamrożone sceny, nostalgiczne odniesienia i spotęgowane obrazy, które stanowią dla widza wyzwanie zarówno od strony zbiorowej, jak i intymnej.

Wystawa krajowa autorstwa Emiliano Miliyo i Aimé Pastorino w Torre Macro (Av. Eduardo Madero 1172) od poniedziałku do piątku w godzinach od 10:00 do 18:00. Wstęp wolny.