Come guardare l'arte nell'era della distrazione? Sei libri per comprendere la percezione oggi

Nel suo recente libro, Dire il mondo. Introduzione alla filosofia del linguaggio (Malba Literatura), la narratrice, traduttrice e saggista Mariana Dimópulos afferma quanto segue: " L'immagine ha acquisito progressivamente importanza e la tecnica della parola è diventata una tecnica di accumulazione statistica di informazioni. Così, vecchie forme di espressione , fino a poco tempo fa fondamentali, finiscono per perdere la loro importanza. E le arti cambiano, e la letteratura cambia , e ciò che vediamo e ciò a cui prestiamo attenzione non è più esclusivamente la parola scritta, ma qualcos'altro o qualcos'altro".

Queste considerazioni, che per molti possono suonare terribili e disastrose perché parlano della fine di un modo di esistere nel mondo, riflettono una certezza che è sempre più evidente in questo presente storico: la preponderanza del visivo a scapito dell'uso tradizionale della parola scritta.

In questo senso, le arti visive come ambito dell'arte in un tempo in cui questa concezione è in costante tensione ("se tutto è arte, cos'è l'arte?") assumono una nuova importanza in questo contesto di riconfigurazione post-pandemica. Vale a dire: lo sguardo deve essere nuovamente educato perché viviamo in tempi in cui, di fronte alla massificazione e alla contaminazione schiaccianti delle reti, sommate al reset delle soggettività durante la pandemia, la percezione e la valutazione delle immagini sono destabilizzate, trascinate da una disillusione insistente.

Come possiamo imparare a vedere le cose in modo nuovo? In risposta a questa situazione, è appena uscita una serie di libri che tentano di affrontare questo problema contemporaneo in relazione all'arte visiva da diverse prospettive e interventi. Diamo un'occhiata.

La poetessa, artista visiva, curatrice e – lo sottolinea lei stessa nella sua biografia – casalinga Fernanda Laguna scrive: “La parola ‘arte’ è come una stella nana che si consuma man mano che cresce , ed è per questo che mi ci vuole energia per usarla. Per me, l'arte non è un oggetto o un accumulo di essi, ma piuttosto quella parola esprime un mondo che chiamo, per analogia, ‘trans’.”

Nel suo libro più recente, ¡Muy Espectacular! Deseos, Cartas y Textos de Arte (1995–2025) (Reservoir Books), Laguna mostra un modo di usare lo sguardo che si allontana completamente da qualsiasi intuizione teorica ("Ho montato come artista") per creare un approccio sensoriale e devozionale alle opere: "Sono affascinato da ciò che fanno gli altri, ecco perché lavoro molto collettivamente", scrive.

Si tratta di testi che hanno sempre un pubblico di riferimento e che quindi diventano personalizzati, creando intimità e vicinanza : Mariela Scafati, Tracey Emin, Diana Aisenberg, Guillermo Iuso, Gumier Maier, Roberta Iannamico, tra gli altri. In questo modo, Laguna ricerca la propria concezione di bellezza (l'arte è bella?), allontanandosi sempre da spazi e immagini prestabiliti e istituzionalizzati per confrontarsi con uno sguardo e una voce emancipati.

A pagina 53 afferma: "Mi guida l'eccitazione che possa apparire qualcosa che non avrei mai immaginato". L'arte, oggi, è immaginazione? Spettacolare! Lavora su un'idea: il giudizio – e ancor più il pregiudizio – distrugge l'esperienza estetica.

Il sintomo più evidente di questi tempi – dovuto a internet, alla pandemia e ai social media – è l' incapacità di mantenere l'attenzione al di là di periodi sempre più brevi . Come influisce questo sull'arte e sulle mostre? Molto, ovviamente, perché l'arte è radicata nella vita di tutti i giorni.

Tuttavia, è possibile per gli artisti di quest'epoca utilizzare questa attenzione frammentata , o addirittura frammentata, per includerla come parte di un dialogo con il loro immaginario visivo. Disturbed Attention: Ways of Seeing Art and Performance Today (Black Box) di Claire Bishop affronta questo problema e considera possibili soluzioni/reinvenzioni.

L'autore scrive: "Il modo in cui definiamo l'attenzione è intrinsecamente legato al modo in cui concepiamo noi stessi come esseri umani". E osserva inoltre: " La patologizzazione dell'attenzione produce una separazione tra mente e corpo , individuo e società. Sei sollevato dal fatto che il difetto sia il tuo cervello, non tu. Ma sei ancora tu, l'individuo, a ricevere il farmaco: non la società".

Un libro che interpreta l'attualità per cercare di rispondere a una domanda specifica: cosa guardiamo quando non riusciamo a prestare la dovuta attenzione? Un testo fondamentale per capire dove si colloca il nuovo pubblico. E cosa farne.

"Daybook. Diary of an Artist" (Chai Editora) di Anne Truitt è un libro che offre un'opportunità: entrare nel laboratorio mentale di un'artista. All'inizio degli anni '70, l'artista americana riceveva diversi premi e ne era sopraffatta. Sentiva di "perdersi". Prese una decisione: comprò un quaderno e iniziò a scrivere.

Nel prologo afferma: " L'unica limitazione che mi sono imposta è stata quella di lasciare che fosse l'artista a parlare. Speravo che, se lo avessi fatto onestamente, avrei scoperto come vedermi da una prospettiva che mi avrebbe resa completa ai miei occhi". Spiega inoltre: "Ho iniziato a vedere come la mia vita si era costruita mentre la vivevo, come ero diventata un'artista in modo naturale e inevitabile".

Daybook copre il periodo dal 1974 al 1980, permettendoci di osservare la vita quotidiana di Truitt e di scoprire come si è formata nell'arte, diventando madre e vivendo come artista indipendente. È un testo di grande attualità perché affronta temi contemporanei: l'economia, la maternità, il futuro della società e il valore stesso del proprio lavoro in un mondo che sembra, inevitabilmente, crollare.

Ecco perché un contraltare a questo libro potrebbe essere il recente saggio "L'occhio-cervello: nuove storie della pittura moderna " (Cactus) di Éric Alliez e Jean-Clet Martin. Si tratta di un testo che tenta di approfondire, utilizzando un linguaggio filosofico, il funzionamento della mente di un artista visivo.

Si tratta di un'opera che tenta di approfondire il rapporto tra occhio e cervello – l'Occhio-Cervello – e i modi di vedere in una prospettiva storico-critica che va da Goethe a Cézanne.

Lo straordinario artista e scrittore Luis Felipe "Yuyo" Noé ha lasciato due libri che segnano un momento cruciale nel rapporto tra creazione, teoria riflessiva e saggio: L'occhio che scrive (Ampersand) e Assuming Chaos. Nella vita e nell'arte (Cuenco del Plata). Questi due testi fungono da punti di collegamento in un viaggio avvincente attraverso la cultura argentina : formazione ed eredità, ovvero l'inizio formativo e una fine apoteotica.

In "The Writing Eye", Noé offre una ricca analisi del suo rapporto con i dipinti, i libri e le situazioni che gli hanno fornito gli strumenti per riflettere sull'arte e trovare concettualizzazioni sul suo futuro come creatore di immagini, dipinti e scritti. È un libro illuminante perché ci porta dietro le quinte di un artista geniale e ci fa interrogare sulla provenienza di così tante idee.

Assuming Chaos , da parte sua, è uno dei saggi dell'anno . Non solo per il modo brillante, complesso e diversificato in cui cerca di concepire il caos (per approfondire, si veda il documentario "Three in the Drift of the Creative Act" di Fernando "Pino" Solanas), ma anche perché ci porta a considerare i tempi caotici in cui viviamo attraverso gli occhi di un artista abbagliante.

Embracing Chaos è una lettura obbligata per comprendere come un artista come Noé riesca ad arrivare fino alla fine con la stessa lucidità e determinazione nel creare artefatti incredibili.

Leggere il pittore, critico e scrittore inglese John Berger e lo storico italiano Carlo Ginzburg porta a due riflessioni concatenate: questi due sanno davvero vedere e sanno meglio di chiunque altro scrivere di ciò che hanno visto. Sono appena stati pubblicati due loro libri che riflettono questa realtà: Alcuni passi verso una piccola teoria del visibile (Interzona) di Berger e Una storia senza fine (Ampersand) di Ginzburg.

Se Berger si chiede e si interroga, in una serie di saggi di epoche diverse, quale sia il posto del pittore (l’autore parla di “resistenza”) in un mondo infestato da immagini come quello attuale, Ginzburg, in 9 squisiti saggi, riflette dal suo spazio, quello della microstoria, sul modo in cui le immagini si legano alle parole e su come parliamo di ciò che vediamo, quindi questa è una “storia infinita”: parliamo da sempre di ciò che vediamo.

Vale a dire: la domanda che affrontano è diretta: come dare profondità (e valore, ovviamente) alle parole e al lavoro conflittuale delle immagini artistiche in questo mondo altamente visivo in cui nulla sembra rimanere impresso sulla retina?

Per concludere (e tornare all'inizio), vale la pena considerare queste parole di Mariana Dimópulos in Decir el mundo : "Il mondo, che produce troppi discorsi e utilizza solo una piccola parte di questo surplus autoriflessivo per questioni che valgono la pena, continuerà a creare dispositivi e tecnologie finché sarà il nostro modo di vivere e concepire ciò che (crediamo) sia importante per noi".

Forse la sfida più grande di quest'epoca, in cui tutto è incessantemente iperstimolato e nulla rimane da nessuna parte, è quella di produrre di nuovo valore, significato e trascendenza . Come sempre, dare a questa nave senza timone un nuovo orizzonte è un compito collettivo in cui ognuno fa la sua parte. I libri che condividiamo in questo articolo sono la prova che è possibile ripensare le arti visive, e da questo lato della storia.