Elīna Garanča: Die Magie der Schaffung von Intimität

„Oper ist ein Marathon, kein Sprint.“ Mit diesem Satz fasst Elīna Garanča nicht nur ihren Rat für junge Sänger zusammen, sondern auch den Schlüssel zu einer Karriere, die auf harter Arbeit, Intelligenz, Selbsterkenntnis und natürlich einer großen Portion Talent aufbaut, sowohl im Operntheater als auch in der Kammermusik und im Konzert. Sechs Jahre nach ihrem Debüt in Buenos Aires kehrt die große lettische Mezzosopranistin ans Teatro Colón zurück, um im Rahmen der von Revista Ñ gesponserten AURA-Reihe ein Konzert zu geben: Es wird Am 20. Oktober tritt er an der Seite eines der erfahrensten Pianisten im Bereich des Gesangsrepertoires auf: dem Schotten Malcolm Martineau, seinem langjährigen Mitarbeiter.

Garanča erzählt Ñ , dass das Programm eine Reise durch das italienische und französische Repertoire sein wird, mit einem möglichen Ausflug ins Deutsche. „Da dies mein zweiter Besuch im Teatro Colón ist, dieses Mal mit einem Klavier, muss ich die besondere Magie des Singens von Liedern in einem so großartigen und großen Theater würdigen. Die Herausforderung und auch die Schönheit liegen darin, Intimität zu erzeugen, jeden Menschen im Raum nur mit Klavier und Stimme zu erreichen, mit weniger Aufwand, als es ein großes, klangvolles und imposantes Orchester und die volle Kraft von Opernarien erfordern würden. Mir war es auch wichtig, das ‚goldene Repertoire‘ der Mezzosopranistin zu teilen, zu dem natürlich auch einige der großen Opernarien gehören. Mein Leitprinzip war der Kontrast und die Balance zwischen Intimität und Erhabenheit, zwischen Vertrautem und Wenigerbekanntem. Letztendlich möchte ich ein Programm voller Farbe, Energie und emotionaler Vielfalt bieten, damit das Publikum sowohl die Zartheit als auch die Kraft dieser Musik erleben kann“, verrät sie.

– Ihre Verbindungen zur hispanischen Welt reichen sehr weit zurück. Gilt das auch für die lateinamerikanische Musik und Kultur?

Spanische Musik war ein untrennbarer Teil meiner musikalischen Kindheit, und meine Mutter, die später meine Lehrerin wurde, sang spanische Lieder. Teresa Berganza zog mich noch stärker zur Zarzuela hin, und diese anfängliche Faszination verwandelte sich in eine sehr hingebungsvolle Anhängerschaft dieses Genres und seiner Interpretinnen wie Victoria de los Ángeles und Pilar Lorengar. Doch Lateinamerika fügte eine weitere Dimension hinzu. Im Laufe der Jahre fühlte ich mich immer mehr zu dieser Musik hingezogen, weil sie nicht nur das hispanische Erbe in sich trägt, sondern auch diese einzigartige Mischung aus gefühlvollen Rhythmen, Farben und einer Art freudiger Melancholie. Für mein Album Sol y Vida habe ich Lieder ausgewählt, die ich seit vielen Jahren in Konzerten singe: von Piazzollas Yo soy María bis Gracias a la vida, Granada und La Llorona. Lateinamerikanisches Repertoire zu singen ist wie die Rückkehr in eine Heimat, von der ich nicht wusste, dass ich sie habe. Je mehr Jahre vergehen, desto mehr fasziniert mich ihre Offenheit und diese etwas dringliche Intensität.

Eine der charakteristischsten Eigenschaften Garančas ist seine Fähigkeit, jede neue Herausforderung direkt anzugehen und damit dem Beispiel der Komponisten und Schriftsteller ab dem letzten Viertel des 19. Jahrhunderts zu folgen, die in vielen Fällen darauf achteten, so viel Realität wie möglich in ihre Opern zu bringen. Zu dieser Entdeckungslust sagt die Mezzosopranistin: „Wenn ich eine neue Rolle übernehme, versuche ich, in die Welt der Figur hineinzuleben. Ich höre mir so viele verschiedene Interpretationen wie möglich an, lese das Libretto aufmerksam und reise manchmal oder recherchiere, um ein Gefühl für die Kultur und Atmosphäre hinter der Geschichte zu bekommen. Es geht nicht nur um Noten, sondern darum zu verstehen, wer diese Person ist, was sie bewegt und wie ich das auf der Bühne zum Leben erwecken kann. Selbst bei Rollen, die ich schon oft gesungen habe, ist jede Produktion eine neue Reise. Verschiedene Regisseure, Dirigenten oder Kollegen inspirieren mich immer wieder, die Figur anders zu sehen. Zum Beispiel ist es heute nicht mehr dasselbe, Amneris zu singen wie vor zwei Jahren. Jedes Mal versuche ich, etwas Neues, etwas Wahres zu finden, damit sich die Rolle für das Publikum immer lebendig und vor allem glaubwürdig anfühlt.“

Die Hauptrolle in Carmen, einer ihrer gefeiertsten Auftritte, erforderte besondere Feldforschung. „Ich wollte nicht nur die Musik verstehen, sondern auch die Welt hinter der Figur“, sagt sie. „Zusammen mit meinem Mann [Anm.: Dirigent Karel Mark Chichon] reisten wir durch Spanien und entdeckten Orte, die Touristen normalerweise nicht zu Gesicht bekommen. Wir besuchten einen Stierkampf in Sevilla, um die Atmosphäre der Stierkämpfer zu erleben, verbrachten aber auch Zeit in abgelegenen Dörfern, wo wir Roma trafen und mit ihnen sprachen. Was mir auffiel, war, wie irreführend die üblichen Klischees sein können. Ich traf blonde, blauäugige Roma, die auf den ersten Blick sehr introvertiert, ja sogar schüchtern wirkten. Doch wenn man Zeit mit ihnen verbringt, spürt man ein unglaubliches Temperament und eine fast animalische Energie in ihnen. Das veränderte meine Sicht auf Carmen. Sie muss nicht schreien oder brüllen, um kraftvoll zu sein. Wahre Intensität kann aus der Stille, aus einem inneren Feuer entstehen. Diese Entdeckung hat meine Herangehensweise an die Rolle zutiefst beeinflusst.“

– Wenn Sie zu einer Opernproduktion eingeladen werden, möchten Sie dann vorher die Vision des Regisseurs kennen? Und was passiert, wenn diese nicht mit Ihrem eigenen Konzept übereinstimmt?

– Generell erwarte ich von niemandem etwas. Beim Musik- oder Theatermachen sollte sich alles um Liebe, Sehnsucht und Zusammenarbeit drehen, nicht um Erwartungen. Für mich ist es wichtig zu wissen, ob die Vision die Musik, die Geschichte und die Psychologie der Figur respektiert. Ich wünsche mir immer, dass der Regisseur offen für neue Ideen ist, und erwarte nicht, dass sein Konzept mit meiner Vorstellung übereinstimmt, denn Oper ist eine Zusammenarbeit, und oft kann eine neue Perspektive inspirierend sein. Aber wenn ich das Gefühl habe, dass das Konzept völlig im Widerspruch zur Partitur steht oder die Figur auf etwas reduziert, das ich künstlerisch nicht rechtfertigen kann, wird es schwieriger. Letztendlich können wir immer viel mehr erreichen, wenn wir zusammenarbeiten, anstatt gegeneinander, und wenn wir Vertrauen und Zuversicht über persönliche oder künstlerische Differenzen stellen.

–Wie messen Sie Ihre eigenen Stärken, beispielsweise bei der Übernahme einer neuen Rolle?

– Ich beginne immer damit, aufmerksam auf meine eigene Stimme zu hören und über meine körperliche und emotionale Bereitschaft nachzudenken. Es ist wichtig, ehrlich zu sich selbst zu sein: Es hat keinen Sinn, etwas anzunehmen, das der Stimme oder dem Selbstvertrauen schaden könnte. Ich frage mich: Habe ich die nötige Ausdauer? Kann ich die Figur zum Leben erwecken, ohne etwas zu erzwingen? Wenn ich das Gefühl habe, dass ich die psychologische Tiefe der Figur noch nicht erreiche oder dass sie nicht zu meinem aktuellen Zustand passt, trete ich einen Schritt zurück und gebe mir Zeit, zu wachsen und mich anzupassen, damit die Charakterisierung, wenn es an der Zeit ist, die Figur zu spielen, ehrlich und authentisch ist.

*Elīna Garanča wird am 20. Oktober im Teatro Colón im Rahmen der von Revista Ñ gesponserten AURA-Reihe auftreten. Fortsetzung der Sendung mit Nadine Sierra (3. Dezember).