Eine Aida, die Sie nicht glauben werden

Allein der Titel „Aida“ lässt sofort Bilder von großer Spektakulärität aufkommen. Es ist ein Synonym für die Kraft des Melodramas: monumental, heroisch, üppig . Aida entspricht heute etwa dem, was als Eröffnungsvorstellung einer großen olympischen Zeremonie gelten würde, und es ist kein Zufall, dass dieser Titel bei Verdi ausgerechnet anlässlich der Feierlichkeiten zur Eröffnung des Suezkanals in Auftrag gegeben wurde, zeitgleich mit dem Bau des Opernhauses von Kairo, das im selben Jahr mit einer anderen Oper, ebenfalls von Verdi, eröffnet wurde.

Die Oper sei das beste Instrument zum Feiern großer Anlässe, da ihre Natur darin liege, eine epische Erzählung zu erschaffen.

Der Regisseur des jüngsten, für 13 Oscars nominierten Films Emilia Pérez sagte selbst, er habe zunächst daran gedacht, ein Opernlibretto zu schreiben, weil er eine epische Geschichte wollte. Da er dann nicht den richtigen Musiker fand, verwandelte er die Geschichte in ein Drehbuch, ohne den melodramatischen Ton aufzugeben, der dem Film eigentlich innewohnt. Dies rechtfertigt auch bestimmte Passagen des Films, die die realistische Glaubwürdigkeit ins Wanken bringen, denn die Geschichte verläuft entschieden auf einem fantasievollen Ton, der es versteht, den musikalischen Code zu nutzen, um die Charaktere und die Geschichte aus vorhersehbaren und kanonischen Bahnen zu lenken.

Geschichten, die mit Musik erzählt werden, haben diese Qualität: Sie müssen nicht geglaubt oder glaubwürdig sein. Sie wollen vielmehr unglaubwürdig sein, das heißt außergewöhnlich, wunderbar, in der Lage zu überraschen und Logik und Realismus ins Lächerliche zu ziehen. In mit Musik erzählten Geschichten steckt jene Art von Erstaunen, die das Gefühl vermitteln kann, die Zeit für einen Moment anzuhalten und in eine außerzeitliche Dimension einzutauchen. So ist das mit Opernarien: Oft passiert gar nichts, die Handlung stoppt und man bleibt für einen Moment der Emotion in der Schwebe, der einem manchmal ein wenig Schwindelgefühl verursachen kann.

Genau dies passiert in Aida. Es ist ein Werk, das wie ein Akkordeon funktioniert: Es dehnt sich aus und zieht sich zusammen. Wie ein Zoom. Ein Objektiv, das die Brennweite verändern und sich zu einem enormen Weitwinkel ausdehnen kann und so eine riesige, feiernde Menschenmenge zwischen den Palmen und Baumkronen der Stadt Theben einfangen kann, wo Minister, Priester und Hauptleute marschieren und einen durchschlagenden Triumphgesang singen. Einen Augenblick später kann die Linse heranzoomen, bis sie ein präzises und intimes Detail erfasst, das die beiden Protagonisten Radames und Aida heimlich flüstern, aus Angst, gehört zu werden, denn ihre Liebe darf nichts von ihr erfahren, sie muss abgesondert und in Klammern gehalten werden. Der Reiz dieser Geschichte und zugleich die Herausforderung, sie szenisch angemessen umzusetzen, liegt darin, diesen Fokuswechsel einzufangen.

Aida ist eine kleine Liebesgeschichte innerhalb einer großen Kriegsgeschichte. Die klassische unmögliche Begegnung, bei der die Liebenden zwei verfeindeten Lagern angehören und die Väter (die in Verdis Opern obsessiv präsent sind) sich schließlich den Entscheidungen ihrer Kinder aufzwingen: Bei Verdi machen die Väter immer eine Menge Ärger. Dabei erpresst Amonasro seine Tochter Aida und verlangt von ihr, den Mann zu verraten, in den sie verliebt ist: Er möchte, dass seine Tochter ihrem Geliebten Informationen entlockt, um den Weg der feindlichen Armee herauszufinden. Aida weigert sich, sie will Radames nicht verraten und so wird sie von ihrem Vater enterbt: Du bist die Tochter des Pharaos geworden, geh weg! Dies ist die Passage, die die ganze Geschichte auslösen wird. Tatsächlich gibt Aida dem Willen ihres Vaters nach und betrügt Radames, der verhaftet und zum Tode verurteilt wird. Sie wird mit ihm ins Grab gehen und gemeinsam werden sie sterben. Aida beschließt zu sterben, genau wie Gilda, Rigolettos Tochter, ebenfalls zu sterben beschließt. Rigoletto hat beschlossen, den Mann zu töten, in den sie verliebt ist. Und die Liste ist lang und vielfältig: Väter, die glauben, sie könnten die Probleme lösen, indem sie den Platz ihrer Kinder einnehmen und ihnen ihren Willen aufzwingen, sie ihren Wünschen unterwerfen, sie erpressen und Schuldgefühle bei ihnen erzeugen, die letztlich die Psyche dieser jungen Männer und Frauen zerstören. In La Traviata ist der junge Alfredo verzweifelt, weil sein Vater die Frau, in die er verliebt ist, gezwungen hat, ihn zu verlassen. Sie, Traviata, unterstützt die Entscheidung ihres Vaters und verurteilt sich damit selbst zum Unglück. Auch in einem anderen, weniger bekannten Werk, in dem es scheint, als könnte tatsächlich alles anders kommen, taucht immer wieder ein Vater auf, der darauf hereinfällt. Dies ist das Beispiel von Stiffelio, wo der Protagonist den Schmerz des Verrats erleidet, aber nicht impulsiv und gewalttätig reagiert, sondern es ihm vielmehr gelingt, diesen Schmerz anzunehmen und ihn sich zu eigen zu machen, ihn in der Hand zu halten und ihn zu beobachten, bis er die Komplexität einer Beziehung erkennt und den Punkt erreicht, an dem die Fähigkeit zur Vergebung reift. Stiffelio steckt mit seiner Frau Lina in einer Ehekrise. Sie konfrontieren sich mit einer absolut modernen Dialektik und sprechen über die Scheidung (wir schreiben das Jahr 1850, während die Scheidung in Italien 120 Jahre später in das Rechtssystem eingeführt wurde...).

Kurz gesagt, es ist ein Paar, das sich nicht gegenseitig die Schuld gibt, das keine Drohungen zur Kommunikation einsetzt. Es scheint, als könnten wir endlich das Wunder einer Menschheit ohne Urteil und Gewalt erreichen … Und stattdessen: Nein. In Stiffelios Geschichte gibt es einen Vater, diesmal ist es ihr Vater, Stankar, ein alter Oberst, der es für eine gute Idee hält, die Rechnung zu begleichen, indem er den Liebhaber seiner Tochter tötet. Ein Mord, der für die Zwecke der Geschichte völlig nutzlos ist und dem keine der Figuren irgendeinen Wert beizumessen scheint, wodurch Stankar im Vergleich zur Modernität der anderen Figuren in einen fast anachronistischen Rahmen gedrängt wird.

Bei der Analyse von Aida wird uns klar, wie der Wille ihres Vaters die Geschichte beeinflusst, seine Handlungen jedoch immer illusorisch und vergeblich sind. Der väterliche Zwang verändert das Ufer eines Flusses, der dann unaufhaltsam in sein Meer fließen muss, denn so funktioniert das Leben, und Aida wird zu Radames gehen, wie Julia zu Romeo geht, auch wenn ihre Eltern das nicht wollen. Auch wenn es nicht rational ist, wenn es nicht logisch ist.

Es ist absurd, sagt die Vernunft, es ist leichtsinnig, sagt die Besonnenheit, aber es ist, was es ist, sagt die Liebe: Verse, die dieses unaufhaltsame und unlogische Bedürfnis zusammenfassen, sich authentisch zu fühlen, sich lebendig zu fühlen, den Wind im Gesicht und die Kälte in den Knochen zu spüren, ohne jedoch das Gefühl der Existenz aufzugeben. Daran, wie Romeo in der Kälte unter einem Balkon zu stehen und darauf zu warten, dass Julia hinausschaut (falls sie denn hinausschaut). Oder daran, wie Aida in ein kaltes und tödliches Verlies hinabzusteigen, um den Mann deiner Wahl zu umarmen und mit ihm zu versuchen, dich vor der Mittelmäßigkeit einer stagnierenden Besonnenheit zu retten, die dich dazu degradiert, immer jemandes Tochter und nie du selbst zu sein.

Wenn die Jugend es wüsste und das Alter es könnte. Aber die Jugend weiß es nicht und das Alter kann es nicht.

Trotz allem. Liebesgeschichten trotzen im Leben und daher auch in der Literatur allen adversativen Konjunktionen. Wir lieben einander trotz, obwohl, auch wenn, trotz, obwohl … Denn es ist das Hindernis, das das Verlangen weckt und es am Brennen hält.

Daher sind die Hindernisse im Melodram immer unüberwindbar. Und das ist es, was Opern in ihrer Betrachtung der Absurdität des Lebens so unglaublich und kraftvoll macht.

Es gibt eine Passage in Aida, die mir ein großes Gefühl von Zärtlichkeit und Zerbrechlichkeit vermittelt, während sie normalerweise als ausgesprochen männlicher und selbstbewusster Moment angesehen wird. Dies ist die berühmte Arie „Celeste Aida“, eine echte Prüfung für alle Tenöre, denn sie kommt ein paar Minuten, bevor sich der Vorhang öffnet, und steht da und schaut Sie mit einem herausfordernden Blick an, als ob sie sagen wollte: Jetzt wollen wir sehen, ob Sie es schaffen …

Es handelt sich um eine Arie, in der Radames Aida seine Liebe erklärt, doch liegt in dieser Erklärung nichts Triumphales. Es geht um einen jungen Soldaten, der einen Traum hat und sagt: „Wenn mein Traum wahr würde“... Was ist das für ein Traum? Das Gleiche wie Romeo. Julias Liebe gewinnen.

Tatsächlich verwendet Radames in der gesamten Arie Konditionalverben: Wenn ich meinen Traum verwirklichen könnte, dann „würde ich dir gerne die Brise meiner Heimat zurückgeben“, das heißt, ich würde dich gerne wieder nach Hause bringen oder dafür sorgen, dass du dich wie zu Hause fühlst. Denn Aida ist Ausländerin, sie kommt aus einem anderen Land. So wie Julia eine Capulet und Romeo ein Montague ist. Zwei verschiedene Häuser, zwei verschiedene Länder. Radames möchte einen Ort schaffen, an dem sie zusammen sein können.

Genau denselben Zustand erleben auch zwei andere Liebende, Tony und Maria, die Protagonisten von Leonard Bernsteins Musical „West Side Story“: „Irgendwo ist ein Platz für uns.“ Der Traum von einem Ort, an dem man sich sicher und beschützt fühlen kann. Ein neuer Ort und eine neue Zeit, von denen aber noch niemand weiß, wie, wann und wo sie sind.

Radames träumt also das Unmögliche, denn was will man sonst träumen, wenn nicht das Unmögliche? Er träumt davon, dass sein Land nicht mehr im Konflikt mit dem von Aida stünde, während in Wirklichkeit überall um ihn herum nur „Krieg“, „Tod“ und „Vernichtung“ herrscht: die drei Worte, die der Chor singt.

Während der gesamten Oper sprechen Aida und Radames sehr wenig miteinander: nur zweimal.

Als sie das erste Mal miteinander reden, beschließen sie, dass es das Beste sei, von dort wegzugehen … irgendwohin … sie wissen nicht wohin, aber sie wollen einfach weg:

„Ja, lasst uns von diesen Mauern fliehen, lasst uns gemeinsam in die Wüste fliehen.“ Eine geheimnisvolle Wüste ist besser als diese unwirtlichen Mauern. Es wird wunderbar sein, auf einer Matratze in einem Studio-Apartment am Vorort zu schlafen, aber gleichzeitig zusammen sein zu können! Und an diesem Punkt stellt sich die übliche Frage: Wie wäre die Geschichte verlaufen, wenn … wenn Aidas Vater seine Tochter nicht erpresst und ihr nicht das Gefühl gegeben hätte, im Unrecht zu sein und verachtet zu werden (von sich selbst und auch von ihrer verstorbenen Mutter). Theater braucht Konflikte. Aida gibt ihrem Vater nach und erpresst Radames das Geheimnis, der verhaftet und verurteilt wird.

Und dies führt dazu, dass unsere beiden Protagonisten zum zweiten und letzten Mal in der gesamten Geschichte aufeinandertreffen. Beim ersten Mal wollten sie zu einem neuen Horizont und einem neuen Licht aufbrechen, doch nun finden sie sich an einem Ort wieder, an dem jeder Horizont ausgelöscht ist. Sie sind unter der Erde, es gibt kein Licht mehr, sie befinden sich in völliger Dunkelheit und sie greifen wieder auf dieselben Worte zurück, mit denen Radames die Oper begann: „Lebe wohl, Traum der Freude, der im Schmerz verschwand.“ Der Traum von Radames ist dahin.

Wir hatten einen Traum, es war ein freudiger Traum, ein Traum des Glücks. Wir hatten einen Traum: die „einbalsamierten Wälder“ zu finden und uns eine andere Welt vorzustellen. Und stattdessen wurde aus diesem Traum Schmerz. Es scheint wie die Synthese ihrer beiden einzigartigen gemeinsamen Momente: Im ersten Moment gibt es den Horizont eines gelobten Landes. Im zweiten die Dunkelheit der Verurteilung. Radames muss vergessen und in den Schatten gestellt werden, wie es mit politischen Dissidenten geschieht. Es muss zum Verschwinden gebracht werden.

Aida und Radames stehen als Sinnbild für die Konflikte zwischen unterschiedlichen Völkern, die weder zur Harmonie noch zum Frieden finden können. Aida und Radames könnten die Geschichte Palästinas und Israels erzählen, das Martyrium eines gelobten Landes, den Traum von einem Ort, an dem wir eine neue Lebensweise und einen Weg zur Vergebung finden können: „Irgendwo werden wir eine neue Lebensweise finden. Wir werden einen Weg finden, zu vergeben.“

Mehr zu diesen Themen: