Mitologia, sztuka i japońskie ruchy awangardowe przepływają przez czas w Franz Mayer

▲ Ilustracje z „Opowieści o Momotaro” , jednej z najsłynniejszych japońskich opowieści, są częścią wystawy „Od mitu do mangi” , która została otwarta wczoraj w Muzeum Franza Mayera. Zdjęcie: Cristina Rodríguez

Omar González Morales

Gazeta La Jornada, piątek, 8 sierpnia 2025, s. 30-30. 2

Przeszłość i teraźniejszość spotykają się na wystawie „Japonia: Od mitu do mangi” , która została otwarta wczoraj w Muzeum Franza Mayera. Wystawa wykracza poza historyczny monolog, stając się dialogiem między teraźniejszością, przeszłością i przyszłością. Wystawa została przeniesiona z Muzeum Wiktorii i Alberta (V&A) w Londynie i uzupełniają ją eksponaty z takich kolekcji jak Terry Walsh Collection, Carrillo Gil i Kaluz Art Museums, między innymi.

Wystawa, składająca się ze 150 obiektów rozmieszczonych w pięciu galeriach: Niebo, Woda, Las, Miasto i Manga (ta ostatnia dostępna wyłącznie w tym miejscu), ma na celu stworzenie więzi, która przekracza pokolenia i wpływa na tożsamość kulturową. Dodatkowo, każda galeria oferuje co najmniej jedną interaktywną aktywność, dzięki czemu mogą z niej korzystać całe rodziny.

Na konferencji prasowej, w której uczestniczyły kurator Ana Carolina Abad, dyrektor muzeum Giovana Jaspersen i przedstawicielka Victoria & Albert Museum Mary Redfern, uzgodniono potrzebę zjednoczenia pokoleń ponad kontekstem historycznym, poprzez melancholię i pamięć.

Wystawa rozpoczęła się w czasie pandemii, z zamiarem zapewnienia ludziom czegoś najbardziej zbliżonego do podróży do Japonii. Muzeum V&A przygotowało ją, wykorzystując kolekcję obiektów z kolekcji muzealnej. Teraz, wraz z jej przybyciem do Meksyku, publiczność będzie mogła podziwiać eksponaty, które nie tylko są starożytne, ale także budzą nostalgię – skomentowała Mary Redfern.

Pierwszy moduł, zatytułowany Niebo, łączy kreatywne koncepcje zaczerpnięte z kultury japońskiej, od dzieł przedstawiających boginię słońca Amaterasu, przez bębny, po słynne żurawie origami, a także symbole inspirowane mangą, takie jak Sailor Moon – strażniczki chroniące świat przed złem za pomocą swoich planetarnych mocy. Znajdują się tam również ceramika wykonana przez Namikawę Sosuke, pochodząca z 1900 roku, przedstawiająca kruki – zwierzęta uważane za inteligentne i mądre.

W Mar japoński wszechświat ulega transformacji. Relacja z naturą rozwija się, podobnie jak jej odmienność. Pojawiają się pierwsze potwory, kaiju, i wyzwanie przetrwania, ale także wiara w przeznaczenie i dobrodziejstwa wielkiego oceanu.

Oś reprezentacyjna to oryginalna rycina wykorzystana do wydrukowania „Wielkiej fali w Kanagawie” Katsushiki Hokusaia, stworzona w XIX wieku. Ta forma nawiązuje do filmu „Ponyo i sekret klifu” , stworzonego przez kultowe Studio Ghibli Hayao Miyazakiego. Opowiada również historię Urashimy Taro, młodego mężczyzny, który ratuje żółwia ujawniającego sekrety nieśmiertelności; historia zawiera refleksję nad upływem czasu. Istnieją również mangi, tradycyjne japońskie komiksy, o „One Piece” , wielkiej morskiej przygodzie z Monkey D. Luffym w roli głównej.

W Bosque powracają postacie mitologiczne, takie jak Tanuki, pół-pies-szop, który potrafi przybierać różne formy; odżywają również aspekty buddyzmu, który dotarł do Japonii około VI wieku, łącząc idee spokoju i ciszy. Dzieło zawiera również elementy ceramiczne, które ponownie nawiązują do natury, na przykład do obrazu „Góry Wiosny II” Totoyi Hokkei.

Miasto to blask. W przeciwieństwie do oryginału, gdzie króluje słońce Amaterasu, miasta zdominowane są przez księżyc i światło neonów. W tym, najbardziej narracyjnym module, zrozumiane jest znaczenie duchów, potworów i technologii. Yokai, mityczne potwory, niektóre nawet reprezentowane przez przedmioty, przenikają symbolikę pamięci i użytkowania rzeczy.

Dialog z przyszłością

Przemoc ludzka generuje również yurei, ludzkie widma terroryzujące przechodniów. Akcja rozgrywa się w kontekście starożytnej epoki Edo, jak nazywano stolicę, Tokio. Obie strony nawiązują dialog z przyszłością, taką jak gry wideo, mechy i androidy. Można tu zobaczyć wczesne wersje Game Boyów, kostiumy wzorowane na figurkach z anime, pierwszy numer mangi Astro Boy , a nawet nowsze wersje, takie jak ternuriny .

W specjalnym pomieszczeniu poświęconym mandze można zobaczyć nowsze i starsze komiksy, takie jak Evangelion , Demon Slayer , Captain Tsubasa ( Super Campeones w Meksyku) i oczywiście Dragon Ball , historię pierwotnie opartą na tradycyjnej historii Son Wukonga z książki „ Wędrówka na Zachód” . Znajduje się tam również stół z materiałami do nauki rysowania.

Wystawę „Japonia: Od mitu do mangi” można oglądać w Muzeum Franza Mayera, mieszczącym się przy Hidalgo Avenue 45 w dzielnicy Guerrero w mieście Cuauhtémoc. Cena wstępu wynosi 180 pesos. Uczniowie, nauczyciele i seniorzy otrzymują 50% zniżki na wstęp po okazaniu legitymacji.

▲ Claudia Gómez Haro, historyk sztuki i dyrektor akademicki Centrum Kultury Casa Lamm. Zdjęcie: José Núñez

Król Martínez Torrijos

Gazeta La Jornada, piątek, 8 sierpnia 2025, s. 30-30. 3

Jak poinformowało Centrum Kultury Casa Lamm, wczoraj zmarła Claudia Gómez Haro Desdier, działaczka kulturalna.

Instytucja, której historyk sztuki był założycielem i dyrektorem naukowym, chwaliła zaangażowanie placówki w promocję i upowszechnianie sztuki, co pozostawiło niezatarty ślad w społeczności kulturalnej kraju .

Kubański pisarz i polityk Abel Prieto wyraził wdzięczność przyjacielowi Kuby i wielkich twórców tej karaibskiej wyspy na swoim koncie X. Z Casa de las Américas przesłał kondolencje i uściski jej siostrze Germaine, całej rodzinie oraz wszystkim dobrym ludziom, którzy ją kochali. Claudia pozostanie z nami .

Claudia Gómez Haro i jej siostry Germaine i Cecilia, wraz z Elín Luque i Eleną Lamm, stworzyły Casa Lamm, punkt odniesienia w zakresie edukacji artystycznej i upowszechniania kultury, z miłości do sztuki i wiedzy, w ciągu 32 lat istnienia placówki.

W wywiadzie dla tej gazety (11.11.2013) promotor stwierdził: „Nie zarabiamy na kulturze i nie zamierzamy tego robić; jesteśmy stowarzyszeniem obywatelskim non-profit, projektem samofinansującym się. W rzeczywistości prawie 25 procent studentów kierunków akademickich otrzymuje stypendia.

Wsparcie dla młodych artystów

W naszych galeriach, choć sprzedajemy prace, nie traktujemy ich jak galerie komercyjne, które pobierają od malarzy 40-50 procent zysków. Są to przede wszystkim przestrzenie wystawiennicze i dystrybucyjne, często przeznaczone zarówno dla młodych, jak i uznanych artystów.

W galerii gościły wystawy między innymi takich artystów jak Francisco Toledo, Alberto Gironella, Javier Marín, Rafael Cauduro, Vicente Rojo, Santiago Carbonell, Joy Laville, Siameses Company i Graciela Iturbide.

W ramach całego projektu w 2013 r. założono wydawnictwo Lamm Publishing, którego celem jest publikowanie wybitnych prac badawczych z programu magisterskiego w zakresie sztuki nowoczesnej i współczesnej, programu doktoranckiego w zakresie historii sztuki, a także najwybitniejszych prac z warsztatów kreatywnego pisania.

Dyrektor ds. naukowych wyjaśnił: „Nasi absolwenci są przede wszystkim świadomi rzeczywistości społecznej. Nie są historykami sztuki walczącymi o sukcesy. Każdy kierunek studiów, począwszy od licencjatu, jest ściśle powiązany z ruchami społecznymi, co rozwija szerszą perspektywę u naszych młodych ludzi. I co bardzo ważne: obaliliśmy mit, że historyk sztuki to człowiek głodujący ” – podsumował dyrektor ds. naukowych.

Claudia Gómez Haro uzyskała tytuł doktora historii sztuki na Narodowym Uniwersytecie Autonomicznym Meksyku, a jej praca doktorska nosiła tytuł „Odnowa plastiku na Kubie: 1980-2000 i jego wpływ na meksykańskie środowisko artystyczne”.

Dzięki tej pracy meksykańska postać kulturalna poznała kubańskiego historyka Eusebio Leala (1942-2020), który przywrócił świetność Starej Hawanie i wzbudził w niej głęboką miłość do stolicy.

Autorka książki Arreola i jej świat współpracowała z La Jornada i kierowała Fundacją Pro Mexican Academy of Language.

▲ Zdjęcie AFP

Na podstawie informacji AFP

Gazeta La Jornada, piątek, 8 sierpnia 2025, s. 30-30. 4

W sercu Tokio Hajime Kinoko obserwuje młodą kobietę, która wiąże ręce swojej modelki linami przymocowanymi do łańcuchów zwisających z sufitu. Nie jest to praktyka dyscypliny, dominacji, uległości, sadyzmu i masochizmu, znana jako BDSM, ale raczej ekspresja artystyczna o wielowiekowych korzeniach: shibari – sztuka wiązania linami – japoński styl bondage, podlegający rozbudowanym zasadom technicznym i estetycznym. Nie polega ona tylko na wiązaniu, ale także na doświadczeniu estetycznym.

Kinoko, ubrany w czarny T-shirt i spodnie dresowe, jest jednym z najbardziej znanych japońskich artystów tej dziedziny sztuki, którą odkrył w latach 2000., kiedy nauczył się modelować kobiece ciało i odnalazł swój własny styl, oparty na pięknie. Jego występy szybko przyciągały coraz większą publiczność i oferowały nową perspektywę.

Artysta tak skomentował tę kwestię: Widzę związek nie tylko ludzi, ale także przedmiotów czy przestrzeni... jako formę malarstwa na płótnie: jest to po prostu inny rodzaj ekspresji .

Jego twórczość nie ogranicza się do ludzkiego ciała. Wśród jego dzieł znalazł się dom w dzielnicy Shibuya owinięty niebieską liną. Budynek był wspaniały, ale czegoś w nim brakowało. Artysta chciał, aby lina pasowała naturalnie, niczym powoli otwierająca się szczelina , powiedział.

Wśród jego dzieł można wymienić m.in. instalację w 2023 roku ogromnych, czerwonych, linowych sześcianów zawieszonych pod sufitem eleganckiego centrum handlowego w centrum Tokio oraz wzniesienie świątyni shibari na środku pustyni podczas amerykańskiego festiwalu Burning Man w 2017 roku.

Dwadzieścia lat temu najpierw zorganizował warsztaty w Londynie, a później założył własną szkołę, Ichinawakai. Kiedy zobaczyłem ludzi krępujących innych, nie wiedząc, co robią, zdałem sobie sprawę z potrzeby nauczania. Shibari może być niebezpieczne . On uczy tej sztuki nowe pokolenia z zamiarem transformacji społeczeństwa. Wojny i podziały wciąż istnieją. Chciałbym, żeby ludzie częściej sobie pomagali. A shibari to sposób na budowanie więzi .

▲ Museo Experimental El Eco (na zdjęciu) zostało zaprojektowane przez niemieckiego architekta Mathiasa Goeritza i otwarte w 1953 roku. Trzeci dzień z rzędu Ministerstwo Obrony Narodowej (DOF) przyspiesza proces ogłaszania go pomnikiem sztuki. Zdjęcie dzięki uprzejmości UNAM.

Reyes Martínez Torrijos i redakcja

Gazeta La Jornada, piątek, 8 sierpnia 2025, s. 30-30. 5

Już trzeci dzień z rzędu Dziennik Urzędowy Federacji ( DOF) przyspiesza proces uznawania Museo Experimental El Eco za pomnik artystyczny, który w tym roku obchodził 20. rocznicę ponownego otwarcia.

Narodowy Uniwersytet Autonomiczny Meksyku upamiętnił proces, który wyróżnia kampus zaprojektowany w latach 50. XX wieku przez niemieckiego artystę i architekta Mathiasa Goeritza (1915–1990) jako przestrzeń dla twórczej sztuki i kultury.

Uniwersytet, który odzyskał budynek i włączył go do swojej Generalnej Dyrekcji Sztuk Wizualnych, poinformował, że proces wydawania deklaracji popierają mieszkańcy budynku, którzy zostali oficjalnie powiadomieni w obiektach muzeum 6 sierpnia .

Museo Experimental El Eco, mieszczące się przy ulicy Sullivan 53 w dzielnicy San Rafael, stało się przedmiotem licznych badań i specjalistycznych podejść, w tym publikacji z Chile, Brazylii i Meksyku analizujących jego pionierski i fundamentalny charakter w architekturze.

W artykule Public Space and Poetic Living: The Case of the Museo Experimental El Eco doktorki architektury Alicia Paz González-Riquelme i Claudia Marcela Calderón-Aguilera podkreśliły, że to miejsce jest jednym z arcydzieł nowoczesnej architektury w Meksyku, w którym wyrażono poetycki i emocjonalny przekaz , zachęcający do aktywnego i wrażliwego udziału człowieka, jego ciała i zmysłów, przyczyniając się do ich wzbogacenia i doświadczeń .

Nowoczesność i duchowość

Historyczka sztuki Rita Eder w tekście, który El Eco wprowadził na początku lat 50., odnotowała szok, jaki wywołała ona w meksykańskim środowisku artystycznym, zwłaszcza ze względu na formułę nowoczesności i duchowości, a być może przyczyniła się do normalizacji tego, co z oficjalnego punktu widzenia było przypadkowe, eksperymentalne, obce, a także do tworzenia wyobrażeń o otwarcie kosmopolitycznych konotacjach .

Po kilku latach opuszczenia, budynek został odzyskany przez uniwersytet w 2005 roku i ponownie otwarty jako muzeum eksperymentalne po renowacji przeprowadzonej we współpracy z Narodowym Instytutem Sztuk Pięknych i Literatury. Obie instytucje przeprowadziły badania mające na celu określenie wartości artystycznej budynku i możliwości wydania deklaracji muzealnej.

Jak podaje La Jornada (7/8/2025), umowa publikowana wielokrotnie od 5 sierpnia w DOF stanowi, że osoby posiadające prawny interes w nieruchomości mają 15 dni roboczych na powiadomienie instytutu i, w stosownych przypadkach, przedstawienie dowodów i argumentów, które uznają za istotne, Dyrekcji ds. Prawnych (Avenida Juárez 101, 25. piętro, Colonia Centro).

Zainteresowane strony mają dostęp do akt postępowania w Generalnej Dyrekcji ds. Nieruchomego Dziedzictwa Artystycznego Instytutu, zlokalizowanej przy Paseo de la Reforma i Campo Marte s/n, Colonia Chapultepec, Polanco. Nieskorzystanie z tego prawa skutkuje utratą tego prawa .

Carolina Gómez Mena

Gazeta La Jornada, piątek, 8 sierpnia 2025, s. 30-30. 5

W odpowiedzi na przywłaszczenie kulturowe popełnione przez markę Adidas i amerykańskiego projektanta Willy'ego Chavarríę w postaci modelu butów Oaxaca Slip On, Narodowy Instytut Ludności Tubylczej (INPI) złoży dwie skargi: jedną karną do Biura Prokuratora Generalnego i drugą administracyjną do Narodowego Instytutu Praw Autorskich, poinformował szef INPI Adelfo Regino Montes.

Skrytykował fakt, że działania te zostały przeprowadzone bez zezwolenia lub zgody rdzennych społeczności Zapoteków z Sierra Norte w Oaxaca, a w szczególności Villi Hidalgo de Yalálag.

W wywiadzie dla La Jornada urzędnik Zaznaczył, że produkt jest promowany jako huarache, czyli tradycyjne sandały, rzekomo inspirowane elementami stanowiącymi część dziedzictwa kulturowego wyżej wymienionych społeczności.

Nasi prawnicy pracują obecnie nad jak najszybszym złożeniem odpowiednich skarg. Odpowiedzialny dział dokumentuje elementy dziedzictwa kulturowego, które rzekomo zostały naruszone w wyniku tego aktu sprzeniewierzenia, a nasz dział prawny przygotowuje i, w razie potrzeby, składa odpowiednie skargi.

Dodał, że domagają się wszczęcia śledztwa w tej sprawie i ustalenia odpowiedzialności. Co więcej, jeśli takowa istnieje, „firma, która dopuściła się tego sprzeniewierzenia, o którym społeczność nie wie i bez dobrowolnej, wcześniejszej i świadomej zgody, musi zostać ukarana”.

Regino Montes powiedział, że to nie pierwszy raz, kiedy coś takiego się zdarza; znane i luksusowe marki już wcześniej plagiatowały hafty i reprodukowały tradycyjne elementy. Dodał, że ubiegłoroczna reforma artykułu 2 Konstytucji wyraźnie uznaje dziedzictwo kulturowe i zbiorową własność intelektualną ludności rdzennej.

Przepisy dotyczące plagiatu

Niestety, takie incydenty powtarzały się wielokrotnie, głównie z powodu głębokiego braku zrozumienia prawa. Mamy ramy regulacyjne. Nie możemy zapominać, że artykuł 2 meksykańskiej konstytucji został znowelizowany 30 września ubiegłego roku. Pracujemy również nad Ustawą o prawach ludności rdzennej i afro-meksykańskiej, której jeden z aspektów, który będziemy regulować, dotyczy właśnie tych niefortunnych sytuacji, które miały miejsce.