Un artigiano propone un dialogo con la ceramica antica per insegnarci come vivere meglio oggi.

▲ Possiamo far comprendere meglio alle persone il vero significato di queste opere. Per farci sentire scioccati, commossi, ispirati e generare una reazione da parte nostra , l'artista ha riflettuto in un'intervista rilasciata a questo giornale. Foto per gentile concessione dell'ENC

Omar González Morales

Quotidiano La Jornada, lunedì 2 giugno 2025, p. 2

La maestra argentina Victoria Morando Espiaut porta in Messico una prospettiva unica sul ruolo della ceramica antica nelle società contemporanee, cercando di offrire una profonda riflessione sul legame tra passato e presente.

Invitato in questo Paese dalla Scuola Nazionale di Ceramica (ENC) nell'ambito di laboratori incentrati sullo studio delle tecniche della ceramica argentina, Morando Espiaut ha parlato in un'intervista a La Jornada dell'importanza di riconoscere le opere antiche create dai popoli indigeni e l'eredità che hanno lasciato, non solo nelle loro tecniche di lavorazione ma anche come radici dell'umanità moderna.

Metto a disposizione dei miei studenti il ​​mio modo di intendere la ceramica e il processo creativo con cui la realizzo; "Sono stato influenzato dal lavoro dei popoli indigeni del mio paese e dall'analisi del processo di lavoro che esisteva in Argentina, ma in modo sensibile, come collegamento tra ciò che facciamo e il lavoro di coloro che ci hanno preceduto" , ha commentato.

Riguardo al suo metodo di lavoro, ha spiegato: Non utilizzo nessuna macchina. Raccolgo l'argilla a mano e la preparo in barattoli con acqua, la verso e la schiacciamo con i piedi. Una volta pronta la pasta, diamo forma al pezzo e lo lucidiamo con delle pietre. Il forno in cui svolgo il mio lavoro l'ho costruito io stesso e la cottura dura cinque ore; Poi ricopro i pezzi con segatura e li riduco, lasciandoli con una tonalità nera, oppure modificandone il colore; Per finire, li lucido con la cera d'api .

Ha chiarito che l'intenzione di cercare di replicare tecniche ancestrali non si basa solo sulla copia, ma sulla fusione con la visione cosmogonica, "un modo di trascendere il tempo e creare un contenitore 'prendendo lo spirito' che lo genera e facendolo nel presente. Prendiamo e rimodelliamo quella memoria; questo è ciò che mi motiva a dare forma a un contenitore".

Dobbiamo capire che ci sono delle vie, dobbiamo rispettare quella corrente di lavoro, capire che ci basiamo sulla conoscenza tramandataci da chi ci ha preceduto; Questa è una cosa che non si trova in un libro o in un manuale. Voglio offrirlo con quel rispetto e quel valore.

Un'analisi dell'appropriazione culturale

Per Victoria Morando, le aree in cui si è sviluppata la ceramica in Argentina includono il nord-ovest, Catamarca, Salta, Jujuy e Tucumán. La zona adiacente alla catena montuosa, dove si svilupparono culture che producevano ceramiche di grande profondità e raffinatezza, come la guada.

È chiaro che il loro metodo di lavoro non può essere completamente decifrato, poiché queste culture scomparvero intorno al 900 d.C., ma i loro reperti rimangono, in cui è stata catturata la loro iconografia, i loro resti ceramici e che spiegano la loro visione del mondo. «È così che ho iniziato a dedicarmi alla ceramica, anche se attualmente mi concentro sul lavoro negli insediamenti della Sierra de Córdoba, dove vivo », ha affermato Morando Espiaut.

Non mi sento separato da quelle culture; Cercando di entrare in contatto con questa eredità, cerco di entrare in contatto con quell'origine. Attraverso questi pezzi realizziamo un dialogo che è come riparare ciò che era fratturato; La ceramica funziona così: si tratta di riconquistare quel linguaggio affinché resti vivo.

Morando Espiaut ha affermato che il Messico ha una grande diversità culturale, che consente lo studio di numerose vestigia di ceramica, le cui tecniche persistono e che necessitano di essere meglio comprese: Non vogliamo che restino esposte in vetrine o dimenticate. Abbiamo bisogno che siano vicini al pubblico e che sostengano la circolazione di queste opere create dagli eredi dei popoli indigeni; Ciò ha assunto una grande rilevanza nel mio Paese .

Per Victoria Morando, lasciare i pezzi come meri resti archeologici limita la possibilità di comprenderli: "Chiusi in una teca di vetro, ho la sensazione che siano relegati a un passato abbandonato; non permettiamo alle persone di vederli come elementi viventi creati attraverso processi che hanno influenzato il nostro presente".

Credo che possiamo far comprendere meglio alle persone il vero significato di queste opere. Per farci sentire scioccati, commossi, ispirati e suscitare in noi una reazione. "Sono molto attratto dalla parte delle origini, è ciò che mi rappresenta in queste opere, non per copiarle, ma per comprenderle e trascendere quegli insegnamenti nella nostra vita quotidiana" , ha commentato l'artista.

Ha affermato di aver tratto grande ispirazione dagli interventi dell'antropologa e archeologa peruviana Ruth Shady: "Il suo approccio allo studio e all'analisi di queste antiche culture può migliorare lo stile di vita delle nostre società attuali. Propone di tornare al nostro passato, comprenderlo ed esplorare ciò che può insegnarci a vivere meglio".

Attraverso le vestigia, sappiamo che molte culture vivevano in equilibrio con la natura perché si sentivano connesse a un ordine, a un cosmo, e quando questo veniva interrotto, scomparivano o si disperdevano. Quella consapevolezza è qualcosa che è andato perduto: 'Chi sono io? Chi siamo? Cosa stiamo facendo e dove stiamo andando?' Dobbiamo chiedercelo."

Il ceramista considerava che oggi l'uomo agisce individualmente e in questa somma di azioni si costruisce il mondo in cui viviamo, e lì c'è il risultato: una distruzione massiccia della Terra; Questo è il mondo di oggi e dobbiamo cambiarlo .

▲ Per questa mostra sono stati selezionati oggetti risalenti a un periodo compreso tra il 600 a.C. e il 1500 d.C., provenienti da progetti di ricerca svolti a Sinaloa, Nayarit, Jalisco, Colima, Michoacán e Guerrero, ha riferito il curatore e ricercatore della sala delle culture occidentali del MNA, Eliseo Padilla Gutiérrez. Foto Carmen Mondragón / INAH

Dalla redazione

Quotidiano La Jornada, lunedì 2 giugno 2025, p. 3

La mostra "Ceramica, voci dell'argilla antica", organizzata dal Museo nazionale di antropologia (MNA) e dal Centro di studi messicani e centroamericani (Cemca), ha gettato un ponte verso la comprensione del significato degli oggetti di argilla, dalla loro scoperta negli scavi archeologici al loro restauro e trattamento museografico, nonché della loro importanza come fonte di informazioni per la comprensione delle società del passato.

La mostra, ospitata nella Sala Espositiva Temporanea A1 della stessa sede, ha riunito più di 70 pezzi preispanici, tra cui vasi, statuette, ornamenti per le orecchie e utensili per l'uso quotidiano e rituale, provenienti dal Messico occidentale.

Il curatore e ricercatore della Galleria delle Culture Occidentali del MNA, Eliseo Padilla Gutiérrez, ha sottolineato che per questa mostra sono stati selezionati oggetti risalenti ai periodi Preclassico e Postclassico, dal 600 a.C. al 1500 d.C., provenienti da progetti di ricerca svolti a Sinaloa, Nayarit, Jalisco, Colima, Michoacán e Guerrero.

Inoltre, questi pezzi precolombiani interagiscono con oggetti in ceramica del XX secolo per mostrare come il processo di creazione di un vaso nelle comunità odierne ci consenta di comprendere come venivano realizzati in tempi antichi. Ciò consente al pubblico di confrontare le somiglianze tra un'anfora granulare bianca proveniente dal sito di Xochipala nel Guerrero, risalente al 300-400 d.C., e la ceramica prodotta oggi nella città di Ameyaltepec, ad esempio.

La mostra è stata curata dallo stesso Padilla e da Véronique Darras, archeologa associata al Cemca, e inizia con un'opera piccola ma eloquente: la statuetta di un vasaio che regge un vaso (200-400 d.C.), recuperata dagli scavi nel Canyon di Bolaños.

Collaborazione UNAM

L'esperto ha commentato che tutti questi materiali sono stati ottenuti tramite scavi archeologici controllati, che forniscono informazioni su come vivevano e pensavano le culture antiche, nonché sui loro stili, consentendoci di differenziare le culture, datare i siti e scoprirne gli usi.

Nel frattempo, metodi come l'analisi petrografica e chimica aiutano a identificare i materiali e i pigmenti utilizzati, svelandone l'origine e le tecniche di fabbricazione.

L'analisi rivela che il pigmento rosso proviene da un minerale chiamato ematite, a volte mescolato ad esso, che conferisce ai pezzi la loro lucentezza. Il colore bianco è stato ottenuto con argille come la caolinite e la montmorillonite, mentre le tonalità nere e marroni sono dovute agli ossidi di ferro e manganese.

Per ottenere questi dati ci siamo avvalsi della collaborazione dell'Università Nazionale Autonoma del Messico, attraverso il Laboratorio Nazionale di Scienze per la Ricerca e la Conservazione del Patrimonio Culturale, coordinato dal Dott. José Ruvalcaba Sil, che ha fornito il Sistema di Analisi a Raggi X Non Distruttivi. Questa apparecchiatura consente l'identificazione di sostanze chimiche presenti nelle decorazioni e nei materiali della ceramica come ferro, calcio e silicio.

Si è conclusa ieri la mostra Ceramica, voci dell'argilla antica .

▲ I concerti si sono tenuti sabato e domenica presso l'auditorium Blas Galindo del Cenart e il Complesso Culturale Los Pinos. Foto Bernardo Mijangos/Cenart

Angelo Vargas

Quotidiano La Jornada, lunedì 2 giugno 2025, p. 4

Secondo il direttore d'orchestra Enrique Arturo Diemecke, nella musica non dovrebbe esserci alcuna politica: almeno non nel senso in cui la intendiamo noi. Le orchestre, in quanto gruppi umani, sono politiche. Ma qui le cose sono diverse e funzionano. Lavoriamo tutti insieme in armonia per un bene comune e supremo: la musica .

Il compositore e violinista rispose in questo modo anche a una provocazione umoristica seguita a un suo commento su un personaggio politico. È che appartengo a un altro partito; La verità è che non faccio parte di nessuna di queste associazioni , chiarì ridendo, dando il tono amichevole che avrebbe caratterizzato il resto dell'intervista a La Jornada.

Considerato uno dei direttori d'orchestra più importanti del nostro Paese, Diemecke ha visitato Città del Messico questo fine settimana per dirigere, come ospite, l'Orchestra della Scuola Carlos Chávez (OECCh), parte del Sistema Nazionale per la Promozione della Musica.

Il gruppo di studenti ha preparato il programma Di miti e leggende, composto da Una notte sulla montagna sterile di Modest Musorgskij e dalla Sinfonia fantastica di Hector Berlioz. I concerti si sono tenuti sabato e domenica, rispettivamente nell'Auditorium Blas Galindo del Centro Nazionale per le Arti (Cenart) e nel Complesso Culturale Los Pinos.

Sebbene la formazione musicale non sia qualcosa che ha potuto seguire nel corso della sua carriera quanto avrebbe voluto, ha affermato che è molto importante per il direttore d'orchestra lavorare con musicisti emergenti o giovani studenti, come nel caso dei suonatori d'atrio che compongono il gruppo sopra menzionato.

Anch'io imparo, non solo i giovani. Dobbiamo imparare tutto nella vita. Dobbiamo arrivare all'idea che si tratti di una scuola; Se impariamo male, restiamo così , ha sottolineato.

Dobbiamo imparare a fare le cose bene. Ad esempio, controllando lo slancio in certi momenti e, a volte, quando il lavoro lo richiede, lasciandolo fluire. Bisogna sempre tenere presente che la musica è al di sopra di tutto; viene sempre prima.

Ha spiegato: "Mi piace molto lavorare con le orchestre giovanili perché sono musicisti in crescita. Tutto ciò che dici loro deve trasmettere quel messaggio di apprendimento e di conservazione, qualcosa che deve essere applicato quando necessario. È molto gratificante vedere la loro crescita, la loro dedizione, il loro entusiasmo e la scarica di adrenalina dei giovani".

Ecco perché è un privilegio partecipare alla loro formazione e al loro addestramento; i risultati si vedono quasi immediatamente. Ogni volta che ho l'opportunità di partecipare a situazioni come queste, ne esco felice e realizzato, perché anch'io ho cresciuto e rafforzato le mie conoscenze.

Ha sottolineato che quando si lavora con un'orchestra professionale, questo tipo di esperienze servono soprattutto a eliminare la stagnazione, affinché i musicisti continuino a sentirsi rinnovati nell'esigenza di essere professionali ed eseguire un'opera come se fosse la prima volta o, per meglio dire, l'ultima .

Buona struttura educativa musicale in Messico

Tra le altre cose, Diemecke riconobbe i progressi nell'attuale educazione musicale in Messico, confrontandoli con il suo periodo da apprendista, in cui l'accesso, a suo dire, era limitato e la musica, più che una professione, era vista come un mestiere.

"In quegli anni non esistevano orchestre giovanili nel Paese. Molti di noi si formavano a casa: provenivamo da famiglie di musicisti e ricevevamo gli strumenti da genitori, parenti o amici. Non esistevano istituzioni – come l'attuale Sistema per lo Sviluppo Musicale – dove si potesse ottenere una borsa di studio per studiare e praticare questa disciplina", ha spiegato.

Abbiamo dovuto lavorare duro per aiutare la famiglia ad andare avanti e a diventare dei giovani professionisti. Ad esempio, l'ho fatto quando avevo 13 anni, nell'Orchestra di Guanajuato. Voglio chiarire che non si è trattato di sfruttamento minorile, nessuno mi ha costretto, era qualcosa che desideravo.

Secondo lui, il contrasto con il presente è notevole: oggi i giovani hanno strutture educative, borse di studio e insegnanti specializzati. Arrivano alle audizioni professionali più preparati, con il repertorio orchestrale già studiato .

Diemecke ha accolto con favore l'esistenza di un maggior numero di istituti di formazione musicale nel Paese: "Ecco perché abbiamo più orchestre e più giovani musicisti con un repertorio elaborato per questi gruppi". Ai miei tempi tutti aspiravamo a essere solisti; Oggi si è capito che suonare in un'orchestra è un'arte a sé stante .

Riguardo al suo lavoro alla guida dell'Orchestra Sinfonica di Michoacán, di cui è direttore artistico dalla fine del 2023, ha affermato di trovarsi attualmente in una fase di lavoro molto entusiasmante e di essere in un processo di rinnovamento.

È stato un approccio molto interessante. A Michoacán ci sono ottimi musicisti e anche un buon pubblico. Quindi, c'è un grande interesse da parte loro nel mantenere viva l'orchestra e nel farla progredire.

Ha sottolineato che, al momento, una delle priorità è stata quella di coprire le posizioni vacanti, oltre a garantire un calendario equilibrato.

Si tratta di non presentare sempre gli stessi cavalli di battaglia e la stessa programmazione. Ho introdotto molte nuove opere, ma ho sempre mantenuto almeno un pezzo tradizionale nei programmi, in modo che il pubblico non si spaventi e sappia che ci sarà un equilibrio tra il nuovo e il tradizionale. Quindi, penso che stiamo andando bene , ha concluso.

▲ Il Maestro Diemecke alla guida dell'OECCh, durante l'esecuzione del programma Miti e leggende. Foto di Ángel Vargas

Angelo Vargas

Quotidiano La Jornada, lunedì 2 giugno 2025, p. 4

Sabato scorso, l'Auditorium Blas Galindo del Centro Nazionale per le Arti (Cenart) è diventato un luogo insolito.

Sotto la sapiente direzione del direttore ospite Enrique Arturo Diemecke, la Carlos Chávez School Orchestra (OECCh) ha intrapreso un viaggio sonoro unico attraverso tempi e luoghi inaspettati con il programma "Di miti e leggende", replicato ieri al Complesso Culturale Los Pinos.

Si trattava di una specie di esorcismo musicale in cui demoni di montagna e amanti allucinati danzavano al ritmo delle note di Una notte sulla montagna arida, del russo Modest Musorgskij (1839-1881), e della Sinfonia fantastica, del francese Hector Berlioz (1803-1869).

Un'esperienza coinvolgente per il pubblico, che ha riempito quasi i tre quarti della sala e ha potuto godere per quasi un'ora e mezza della febbrile vitalità dei giovani componenti del gruppo, guidati dalla compostezza, dalla competenza e dall'intensità del maturo direttore messicano, una delle figure più importanti della musica nazionale odierna.

Per ogni musicista è sempre un privilegio condividere ciò che ama di più nella vita: la musica , ha commentato Diemecke in un breve intervento, microfono in mano, prima di alzare per la prima volta la bacchetta e dare inizio a quella sorta di incantesimo costituito da quella coppia di opere che hanno a che fare con il soprannaturale.

Lo so, sembra banale, ma la musica è cibo per l'anima. E questo perché il nostro spirito è sempre pieno di ansie, preoccupazioni, amore, passione, dedizione, felicità, tristezza e abbiamo bisogno di qualcosa che ci aiuti a mantenere tutto questo in equilibrio. Ed è qui che entra in gioco la musica.

L'opera di Musorgskij era un sano sabba di streghe. Gli ottoni sputavano fiamme, gli archi disegnavano ombre inquietanti. Diemecke, come uno sciamano, suscitò nei giovani interpreti un crescendo infernale che culminò nel suono delle campane della redenzione.

Quella montagna malvagia ci insegna che dopo la tempesta arriva la calma, che nulla è perduto , aveva anticipato il regista all'inizio. Il pubblico, estasiato, scoppiò in un applauso alla fine del brano.

Il sogno d'oppio di Berlioz

Dopo una breve pausa, il viaggio psichedelico è iniziato con la Fantastic Symphony. In precedenza Diemecke aveva preso il microfono per raccontare l'aneddoto di questo lavoro. Berlioz, ferito dall'amore, tentò il suicidio assumendo oppio, ma sognò la propria morte, raccontò.

L'opera era un viaggio onirico di cinque movimenti in cui gli archi e i fiati passavano dal sospiro al grido, gli ottoni conducevano a momenti brillanti e c'era anche un passaggio in cui il corno inglese e l'oboe emulavano il dialogo di due pastori nel campo.

Inoltre, una marcia precedeva il patibolo e conduceva alla ghigliottina, e il dies irae gregoriano (canto d'ira) si mescolava alle risate delle streghe, concludendo così questa bizzarra esperienza.

Il pubblico, a metà tra lo stupore e l'ammirazione, ha reagito in modo festoso a un'esibizione così impetuosa e ben riuscita, con fragorose ovazioni. I giovani musicisti hanno così dimostrato di essere riusciti a formare un'orchestra coesa, equilibrata e potente.

Diemecke, fedele al suo stile passionale, diresse entrambe le opere a memoria, senza partitura; Inoltre non ha utilizzato il manganello. Abitava la musica e lasciava che essa abitasse lui, attraverso la sua coreografia distintiva, in cui il prodigio sonoro diventa materiale duttile che plasma tra le mani e il resto del corpo, con movimenti spettacolari che spaziano dal sottile al vertiginoso.